A.O.R Music
El conocido en sus origenes como Album Oriented Rock por el hecho de que en los años setenta existían emisoras de radio que pinchaban discos enteros en vez de limitarse al single que se impone normalmente, por lo que posteriormente derivaría a Adult Oriented Rock . Podría definirse vulgarmente como una variante del estilo musical conocido como rock melódico. Su nombre (Adult Oriented Rock) en español, quiere decir "Rock orientado a adultos". Se caracteriza por sus trabajados estribillos y melodías y su armonía vocal e instrumental, así como por ser una ramificación del rock duro pero con la comercialidad característica del pop. Es un rock apto para casi todos los públicos sin la aspereza del rock puro.
Tuvo su inicio en el período que va desde 1976 a 1980 aproximadamente, cuando empezaron a tener éxito las emisoras FM principalmente en EE.UU. y que demandaban músicas con un sonido más depurado ante las nuevas posibilidades que ofrecía la frecuencia modulada y el sonido en estéreo. En aquella época bandas como Eagles, Survivor, Fleetwood Mac, Tears for Fears, Boston, Journey, Toto, Foreigner, REO Speedwagon, Status Quo e incluso los mismos Chicago, Blue Öyster Cult, Asia, Simple Minds y Styx ofrecieron discos notables en el género.
A partir de 1980 aproximadamente, el AOR vivió su auge como estilo musical, muchos grupos conocidos coquetearon con este género para desvincularse de él por motivos comerciales cuando así se lo dictaron sus compañías de discos.
ROCK PROGRESIVO
El rock progresivo (en inglés progressive rock, prog rock) es un subgénero del rock aparecido al final de la década de los sesenta y que floreció durante la primera mitad de la década siguiente. El adjetivo progresivo alude tanto al carácter innovador que tuvo inicialmente el género (concebido como un paso adelante en el progreso de la música rock) como a la importancia que concede a la progresión musical: uno de sus clichés más característicos es el paso gradual, progresivo, de una sonoridad bucólica (acústica, medievalizante, folk, modal, de tiempo lento) a otra urbana (eléctrica, tensa, acelerada, con influencia del blues y del jazz).
Las composiciones progresivas se caracterizan por el uso de movimientos, como en las obras de música clásica,[1] y por la adición paulatina de nuevos instrumentos que van desarrollando los temas musicales planteados en la pieza y la improvisación, cercana a menudo a los cánones del jazz, junto con un componente experimental heredado de la música electrónica. Son características del género las canciones largas, los álbumes conceptuales, las letras ambiciosas, el virtuosismo de los instrumentistas y un uso prominente del melotrón y sintetizadores. Aunque no todos estos rasgos se dan siempre, son habituales en las bandas que dieron forma al género, como Soft Machine,The Moody Blues,The Nice, King Crimson, Emerson, Lake & Palmer, Camel, Focus, Genesis, Gentle Giant, Jethro Tull, Pendragon, Supertramp, Mike Oldfield, The Alan Parsons Project, , Pink Floyd, Rush, Renaissance, y Yes.
Cabe deslindar el rock progresivo del llamado rock sinfónico. Aunque ambos géneros se solapan con frecuencia, el adjetivo sinfónico alude sobre todo a la sonoridad orquestal, integrada en algunas canciones pop (p.ej. "She's Leaving Home", de los Beatles y "Nights In White Satin", de The Moody Blues) mediante el uso de secciones de cuerda u orquestas enteras, o evocada (de forma más económica) mediante samplers primitivos como el melotrón o sintetizadores .
El rock progresivo concede una gran importancia a la contribución individual de cada músico, lo que en ocasiones degenera en una profusión embarazosa de solos de guitarra, teclado, batería, etc., en detrimento del sentido unitario de la pieza. Sin embargo, en las mejores piezas del género el desarrollo coherente de la canción o pieza se impone al exhibicionismo virtuosístico. Los conciertos de estas bandas son generalmente grandilocuentes y espectaculares, especialmente en los grupos populares de la década de 1970, tales como Yes o Pink Floyd, mientras que sus letras suelen tener pretensiones literarias, a diferencia de las de los grupos de otros géneros.
Una de las influencias principales de este tipo de música se encuentra en la música minimalista (como ejemplos valgan Steve Reich, John Adams, y Philip Glass) y el "Gamelan", la música de Java. En ambos tipos de música predomina un elemento repetitivo e hipnótico, potencialmente inductor del trance. En este sentido, el rock progresivo conecta con las aspiraciones de la psicodelia, pudiendo considerarse muchas composiciones del género como música creada para acompañar el viaje psicodélico o reproducir, sin ayuda química, su estructura y efectos. Un ejemplo temprano de la aplicación de la técnica minimalista al rock es la composición "Sister Ray" de The Velvet Underground.
Es difícil encontrar el origen exacto del género musical. Algunas fuentes citan a The Thoughts of Emerlist Davjack, el debut de 1967 de The Nice (el primer grupo del teclista Keith Emerson, como el primer álbum de rock progresivo, mientras que otras mantienen que la primera grabación del género fue la banda sonora de la película Tonite Let's All Make Love In London de Pink Floyd. Sin embargo, en discos anteriores de bandas como Deep Purple, Procol Harum y The Moody Blues
Canterbury 1968-73
La escuela británica de rock progresivo de Canterbury (uno de los movimientos más significativos en la historia de la música rock) nació en 1962 cuando Hugh Hopper, Robert Wyatt, Kevin Ayers, Richard Sinclair y otros formaron los Wilde Flowers. Wyatt, Ayers, Hopper y sus nuevos amigos Daevid Allen y Mike Ratledge formaron los Soft Machine, mientras que Sinclair y los otros se fueron para formar Caravan.
Soft Machine , una de las bandas más grandes de rock de todos los tiempos, empezó con álbumes tales como Volume Two (1969) que estaban inspirados por el rock psicodélico con un toque de estética dadaísta (es decir sinsentido); pero, después de haber perdido a Allen y a Ayers, ellos viraron hacia una interpretación personal del jazz-rock de Miles Davis en Three (1970), su obra maestra y uno de los álbumes esenciales del jazz, rock y clásica de los 1970s. Teclados minimalistas a la Terry Riley y metales de jazz realzan tres de las cuatro sesiones (particularmente, Facelift de Hopper). La restante, The Moon In June, es el primer logro monumental de Wyatt, mezclando una melodía delicada, una atmósfera melancólica y profunda humanidad. The Moon In June permanecerá en el canon esencial de la música mucho después de que la música rock haya desaparecido. Una alineación vastamente revisada, altamente influenciada por los ensambles de jazz de Ian Carr y Keith Tippett, que en octubre de 1969 agregó una sección de metales de cuatro piezas (notablemente Elton Dean), continuó el experimento en un tono frío, cerebral, austero, por ejemplo con la suite de cuatro movimientos Virtually (1971), en su cuarto álbum, y el futurista 1983 (1972), en su sexto álbum.
Los otros cofundadores de la escuela de Canterbury, Caravan , imperdonaban una clase de jazz-rock más simple, ligera, melosa y pegajosa que la de Soft Machine. Su especialidad eran las fantasías melódicas que básicamente mejoraban las canciones de cuna tipo folk con ritmos de jazz y contrapuntos instrumentales intrincados: Can't Be Long Now, en If I Could Do It All Over Again (1969), Nine Feet Underground (su obra maestra), que abarca la mitad de In The Land Of Grey And Pink (1971), Nothing At All y The Love In Your Eye, de Waterloo Lily (1972).
Nucleus de Ian Carr , uno de los grupos más hábiles en el mundo, fueron protagonistas de la escena británica de jazz-rock por muchos años. La soñadora y romántica Song For The Bearded Lady, de We'll Talk About It Later (1970), el sonido "orquestal" y electrónico de Torso, que abarca la mitad de Solar Plexus (1971), la síntesis elegante, barroca de su álbum más impecable, Belladonna (1972), se basaba en arreglos de metales y teclados, así como en ritmos que eran resbalosos y sólidos a la vez.
Keith Tippett (2), quien había ensamblado un formidable grupo de talentos, entregó trabajos tales como Dedicated To You But You Weren't Listening (1971) y el colosal Septober Energy (1971), ejecutado por la orquesta de 50 piezas Centipede, que era más apropiadamente jazz.
Dave Stewart y Steve Hillage empezaron otra dinastía dentro de la escuela de Canterbury cuando ellos formaron Egg (3), otra banda sobre expuesta que tocaba música sinsentido. La Symphony No.2, en Egg (1970), la fantasmagórica clásica-jazz-rock Long Piece No.3 (su Valentyne Suite), en The Polite Force (1971), y las últimas sesiones en The Civil Surface (1974), tales como Germ Patrol y Enneagram, empacaban suficientes ideas para que dos generaciones de músicos exploraran.
Muchas de las obras maestras de Canterbury fueron grabadas a principios de los 1970s por miembros originales de Soft Machine. Daevid Allen estaba solo vagamente relacionado a las principales direcciones estilísticas de la escuela: Allen era, antes que nada, un hippie/raro que mezclaba la estética paradójica de Frank Zappa y la cultura comunal de San Francisco. Su Gong, con el guitarrista Steve Hillage, el saxofonista Didier Malherbe y el tecladista Tim Blake, preparó una versión "cósmica" del acid-rock. Sus obras maestras, las cuales incluyen por lo menos Camembert Electrique (1971), la grandiosa Flying Teapot (1973) y Angel's Egg (1973), son collages demenciales de melodías infantiles, trompetas de circo, ritmos de jazz, teclados galácticos, lamentos sensuales/celestiales, mantras sardónicos, electrónica burlona e himnos de caricatura. Todo el conjunto exuda una sensación de cacofonía estática. Esta es una psicodelia que alucina pero no está cataléptica. Flying Teapot (1973), en particular, permanece como uno de los vuelos más salvajes de la imaginación de la música rock.
Kevin Ayers (12) se convirtió en un cantautor lunático proyectando la persona de un dandi exótico y decadente. Joy Of A Toy (1969), una colección de tonadillas encantadoras, definió su mezcla indiferente de música de salón, canciones de cuna folclóricas, world-music y también música infantil. La melancolía existencial que de por sí existía en su trabajo álbum más excéntrico, Shooting At The Moon (1970), con el compositor y tecladista de vanguardia David Bedford, el guitarrista adolescente Mike Oldfield y el saxofonista de jazz Lol Coxhill. Aquí Ayers encontró un equilibrio poco probable de sinsentido armónico y estribillos pegajosos, mientras que empapaba sus cuentos de hadas de surrealismo y expresionismo. La suite de 18 minutos en cuatro partes The Confessions of Doctor Dream (1974) fue su trabajo más ambicioso y de pesadilla.
Robert Wyatt expandió en las intuiciones de su The Moon In June en su primer álbum como solista, The End Of An Ear (1970). El inventó un nuevo tipo de lenguaje, con inclinación tanto a la tradición (pop, soul, folk, jazz) como a la vanguardia (minimalismo, electrónica), tanto personal como público. La misma sesión de temas privados y públicos, pero con un énfasis en su persona pública (y comunista), caracteriza los dos álbumes de Matching Mole, Matching Mole (1972) y Little Red Record (1972), los cuales son claros ejemplos de música cerebral, de protesta que es de hecho conmovedora, además de establecerse entre las más intensas grabaciones de cualquier cuarteto de jazz-rock. Su persona privada hizo erupción en Rock Bottom (1974), una de las obras maestras supremas de la música rock, una auténtica transfiguración de tanto el rock como el jazz. Sus piezas abarcan la frontera imposible entre un himno religioso y las canciones de cuna infantiles. A lo largo de esa línea imaginaria, Wyatt esculpió una zanja profunda de torrente emocional, donde la felicidad, la tristeza, la fe y la resignación encontraron una unidad metafísica. La sorprendente originalidad de esa obra maestra, y su bien elaborado flujo de conciencia, nunca fueron alcanzados por lanzamientos posteriores de Wyatt. El último trabajo significante de su carrera fue Animals Film (1982). Wyatt preparó una de las músicas más conmovedoras de todos los tiempos y por lo menos una de las obras maestras del siglo. El fue bendecido por ser tanto un baterista dotado, heredero de las tradiciones del rock progresivo y del jazz-rock, y un vocalista innovador único, con su llanto falsete, vagamente derivado de la forma de cantar sin palabras del jazz, mezclaba el soul, budismo y psicodelia.
La escuela de Canterbury continúa produciendo bandas, talentos y obras maestras a través de mediados de los 1970s. Richard Sinclair y Dave Stewart unieron fuerzas y formaron Hatfield & The North , cuyo primer álbum, Hatfield And The North (1974), fue un apéndice competente a Caravan. Entonces Dave Stewart y Alan Gowen formaron una banda más orientadas a los teclados, los National Health , que no tuvieron pena en jugar con las disonancias, electrónica y jazz-rock orquestal de Frank Zappa en las cuatro sesiones extensas de National Health (1978) y en su obra maestra Of Queues And Cures (1978).
Cuando el niño prodigio Mike Oldfield grabó Tubular Bells (1973), una suite de la duración de un álbum de música instrumental, toda tocada por sí mismo y pegando las partes de docenas de instrumentos, redefinió lo que el rock progresivo era. De hecho, "rock progresivo" se convirtió en un término obsoleto para referirse a una música que cruzaba todas las fronteras estilísticas. Las aventuras subsecuentes de Oldfield en la suite, comenzando por Hergest Ridge (1974), nunca repitieron el milagro de su primer trabajo, a pesar del hecho de que Ommadawn (1975) e Incantations (1978) estaban construidas en cimientos más y más ambiciosos (y Oldfield eventualmente le restaría valor al formato en favor de la canción pop, particularmente con Moonlight Shadow de 1982).
Sin embargo, la segunda generación de Canterbury estaba mejor representada por Henry Cow , fundadores del movimiento político y musical "Rock In Opposition". Con virtuosos tales como el guitarrista Fred Frith, el bajista John Greaves, el percusionista Chris Cutler, el tecladista Tim Hodgkinson, y, más adelante, el tocador de oboe Lindsay Cooper, aumentaron el cociente de la inteligencia del rock progresivo. Leg End (1973), inspirado por el jazz-rock de Soft Machine y las suites orquestales de Frank Zappa pero también por el free-jazz y por la vanguardia disonante (Nine Funerals Of The Citizen King), fue simplemente el aperitivo para Unrest (1974) para sus sesiones/suites cerebrales, enrolladas, arduas pero también extravagantes, maravillosas y surrealistas. Los Henry Cow habían fundado un equilibrio mágico entre la composición y la improvisación. Su siguiente paso dio muestra en Desperate Straights (1974), el primer fruto de la fusión con el grupo multinacional Slapp Happy, con el tecladista británico Anthony Moore, el vocalista alemán Dagmar Krause y el guitarrista estadounidense Peter Blegvad, del cual Acnalbasac Noom (1973) había sido un experimento intrigante de cabaret expresionista y música rock. Su segundo, y mejor, álbum en conjunto, In Praise Of Learning (1975), fue su testamento artístico: la rústica fusión de los primeros años había mutado en una forma de arte austera y erudita. Ese día fue explorada más adelante por Frith, Cutler y Krause como los Art Bears en sus cantos abstractos de Hopes And Fears (1978) y Winter Songs (1979). (1973) por Hugh Hopper y Elton Dean de Elton Dean (1971) también figuraron entre los trabajos más originales y eruditos del rock progresivo de la Gran Bretaña. Sobre todo, los alumnos de Soft Machine constituían un buen trozo del canon del rock progresivo en la Gran Bretaña.
